跟随录音师的脚步,听见世界的形貌:《电影耳:记录声音/声音纪录》

这一切声音也许极其日常,高低音频的叙事里,有属于自己的故事。但也有些声音非常遥远,像是到不了的远方。由TIDF台湾国际纪录片影展与立方计划空间共同主办,法籍声音艺术家澎叶生(Yannick Dauby)策划的展览《电影耳:记录声音/声音纪录》以田野录音为端点,连结感官经验、生态环境、采访纪录与声音艺术。 《电影耳:记录声音/声音记录》展场局部:聆听间。 《电影耳:记录声音/声音记录》展场局部:聆听间。听觉是一种无法逃离的感官经验,不若其他知觉我们得以有意识的选择是否接收,声音的波动就随着空气等等介质到达耳膜。像是睡眠之际,蚊虫快速的震动翅膀飞行的声音,仿若是无解的课题。而在David Toop 的《Lost Shadows: in Defence of the Soul》里,蚊虫在录音师探访亚马逊河域亚诺马米族人的萨蛮仪式之旅中毫不缺席。得以从录音师为中心倚着声音的远近与发声来源,描绘出他所探访的深林样貌,却也在巫师神奇的音质中,添上一点神秘。在声音引领旅途的同时,录音者的文字纪录细腻的轮廓出声音当下他们移动的途径、亚诺马米族人对外人的警戒与意图、巫师萨蛮仪式的进行与录音师被大量蚊虫叮咬的面容。大卫.图伯(David Toop),〈消失的影子:守护灵魂〉(Lost Shadows: In Defence of the Soul)展场,1978。大卫.图伯(David Toop),〈消失的影子:守护灵魂〉(Lost Shadows: In Defence of the Soul)展场局部,1978。大卫.图伯(David Toop),〈消失的影子:守护灵魂〉(Lost Shadows: In Defence of the Soul)展场,1978。大卫.图伯(David Toop),〈消失的影子:守护灵魂〉(Lost Shadows: In Defence of the Soul)展场局部,1978。岩田茉莉江与柳沢英辅的《大东诸岛》,则相较亚马逊流域的生活温驯许多;树林里头的猫头鹰仿若规律地叫着,蝙蝠的叫声微弱而尖细但也有台风时节的沉重海浪声。声音记录里也有不甚惊奇的雨声——当地种植甘蔗的农民,会仔细听雨打在屋顶的声音,因为雨量和甘蔗的收成密切相关。 《电影耳:记录声音/声音记录》展场局部。 《电影耳:记录声音/声音记录》展场局部。而当我们回到台北的声音时,那是一个民族志式混杂而成的地方叙事,却仿佛随着记忆荒芜的城市角落。 《缝盗声程游:稻埕发声》是...

无从排练的表演边界:一场即兴的对话,《混沌身响》策划人陈武康

Images Courtesy of 骉舞剧场. 或许存在着某个古老传说,一切从没有对话的交互试探开始,现今我们称呼这样的试验为即兴。即兴作为表演者的生产方法,开展出自由的对话可能并创造没有范围的文本。 2016 年秋季,骉舞剧场开展系列性演出节目《混沌身响》,由骉舞剧场艺术总监陈武康与音乐家李世扬共同策划,邀请创作者们在排练场以身体和声响即兴创作演出。没有排练与彩排,表演者企图在演出中开展一个目的模糊、方向未知的创作场域,让表演者相互成为灵感,仅此依存。或许我们得以说这系列的演出实验是种联谊,二十一世纪初台湾舞蹈表演的征婚启事。 [混沌身响] 第一季第一番,陈武康XPorta Chiusa。 [混沌身响] 第一季第一番,陈武康XPorta Chiusa。观众应当如何期待一场即兴表演?如何从策划人的配对关系之中参透出一点火花的可能?对于表演者而言,他们又该怎么从一场初始相敬如宾的联谊之中,发展出可观的对话内容与方式?即兴成为一场表演,必定存在着整体结构上的缺陷。不过,其中所被呵护的自由与被期待的未知更是在演出实验中所被期待的。舞者与表演者以不同的语言相互对话,我们不需期待舞者以任何途径发出声响或演奏者开始跳舞的身份易位。而是,在即兴演出之中,表演者为各自画大了他们可使用的媒介范围,明白彼此交换的可能与机制,延续成为未来将至的生产。 [混沌身响] 第一季第四番,Shai TamirXYannick Dauby。 [混沌身响] 第一季第四番,Shai TamirXYannick Dauby。在《混沌身响》这一系列由舞者陈武康与钢琴家李世扬的联合策划中,以即兴的表演形式,将表演者放大至观众面前,让表演的初始被看见。表演即是这样一般的开始,展呈在舞台上,而表演者成为他们各自的自己。可是自己不会永远只有自我,存在着许多深刻的记忆和不经意的对话与交流,仿若日常般,行进着。这次陈武康与我们聊聊,关于即兴、关于在即兴里混沌摸索的过程。 [混沌身响] 第二季第五番,叶王洲X 非_密闭空间(谢明谚+ 郑各均)。 [混沌身响] 第二季第五番,叶王洲X 非_密闭空间(谢明谚+ 郑各均)。 .什么样的契机让你和音乐家李世扬开始共同策画这一系列性的表演?最早是2014 年去纽约,期间看了许多即兴的表演,有各种不同的形式,多半都是音乐类的;大约演出前10-15 分钟观众才能入场,里面的表演者有大牌也有新锐,都是即兴表演。表演者在表演前不先排练,但不是因为不负责任,却也很羡慕他们可以不用准备就开始演出。我看的第一场是Philip Glass 和一位诗人的演出,一人念诗,一人弹琴。弹着弹完,他就起身往外头走,走过人群,走出门口。我们以为外头会有人接着下一段的表演,不过他就带着他的东西去搭地铁了。事实上这么传奇性的作曲家是那么的日常。后来,离开纽约前得到朋友的邀约,也在那边和他们玩了一场。这样透过即兴来碰撞或接触,在这座城市很普遍,到处在发生,很乱——就像一个字说的,「multidisciplinary」。而作为一个舞者,我希望能够做一种加速,让大家碰撞多一点,不要思考太多。所以回来之后就和李世扬讨论,从2016 年的秋季开始《混沌身响》的第一季。 [混沌身响]...

INSPIRATION|让我们缝起小小的书,艺术家Szuyu Liu 刘思妤

小小的书一层又一层地包覆着,像是俄罗斯娃娃但又不是,更像是个复杂的机体,由细琐、渺小的各个部分细腻组成;书页里的夹缝间藏着一张张影像,文字里面书写着秘密。每一元素在这「书」里都是不可轻易分开的,它们都是故事的一部分——对于艺术家Szuyu Liu 刘思妤的创作来说,书不再只是讯息传递的载体;书应当是一个场所,场所里面有许多空间与细节,在阅读、翻阅的过程中,仿佛在空间之中穿梭移动。 《Sneaked out the backdoor II》,2015。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、木板。 《Sneaked out the backdoor》,2014。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、三层板、帆布。 《Sneaked out the backdoor II》,2015。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、木板。 《Sneaked out the backdoor》,2014。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、三层板、帆布。 《Sneaked out the backdoor》,2014。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、三层板、帆布。 《Sneaked out the backdoor》,2014。道林纸、棉线、压克力颜料、透明压克力片、三层板、帆布。在书里面创造空间的方法有很多种,文学使用文字作为笔墨线索开展空间;绘本、摄影集以影像开创观者的认知场域;装帧设计从纸张材质到排版设计,给予书一种不一样的观看视角。阅读的贪婪双眼依着各种书本的特定性质,捧起的双手感受著书页的纹路,视觉、触觉甚至闻著书页散发气息的嗅觉,再到想像力的感知与意识边界,我们用着感官与心绪,阅读着一本本书。而对Szuyu 来说,创作过程里文字、图像与书籍的制作,三者是彼此紧密连结,一起建构、思考一本书的空间。 《NO》,2012。65 x 80 mm,水性蜡笔、压克力颜料、棉麻布、棉线、旧书页。使用旧书内页制作插画,以折叠方式制造书页间的立体空间,连续和内外。 《NO》,2012。65 x 80 mm,水性蜡笔、压克力颜料、棉麻布、棉线、旧书页。使用旧书内页制作插画,以折叠方式制造书页间的立体空间,连续和内外。 《NO》,2012。65 x 80 mm,水性蜡笔、压克力颜料、棉麻布、棉线、旧书页。使用旧书内页制作插画,以折叠方式制造书页间的立体空间,连续和内外。 《In warm and thick palms》,2012。65...

新旧时代的市井美味交易:十七世纪老市场变身时髦餐馆,荷兰莱登Waag

若想了解一座城市的生活样貌,那么去逛逛那个城市的市场,便能看尽市井的日常;从物件、食材、香料的使用与选择,拼凑出一个地方可能的样貌,仿佛是一个研究计画的起点。随着城市扩张、消费习惯改变、运输方式的改善,市场可能被集中成一个方块、一栋建筑或什至是一片广场——旧的被新的取代,又或者被荒芜着。十七世纪的欧洲处于动荡的政治革命,知识与科学的理解也不停翻转,认知世界的方式不断改变。牛顿的物理定律把力量数据化,笛卡尔的著作影响着近代的哲学,哥白尼提出太阳为中心的学说,巴洛克建筑体现时代的样貌。荷兰莱登的市场De Waag,从这动荡启蒙的17 世纪运作到20 世纪,商人们在这个市场里贩卖着各式的商品;直到1972 年,这个市场贩售出最后的一件商品:一块起司。巴洛克建筑的市场荒废几十年后,2015 年终于走回市井的生活之中;融入简约的线条与色彩设计,变身成为时髦的同名餐馆 Waag。建筑外观留有繁复的雕花与装饰,窗户以摩登的线条融入老旧的市场。四周的开窗引入光线,简练的柱式与拱顶勾勒出一个开阔、舒适的空间氛围。过去这里进行着食材的买卖,而现在成为一道道的餐点,连结着穿梭此地的来客。菱纹仿若对巴洛克的现代诠释,以大面积的交错混杂制造出动态、缤纷的视觉效果。绿与橘是这个小餐馆的主调,他们和旧时的地砖、石材隐隐辉映着。部分墙面重新规划,以黄底黑边描绘着一个个陈列架的轮廓,各种从前至今秤重的器具一一安放,回顾着从前市场的背景故事。色彩、材质、线条多变的运用,交织出老旧市场的新样貌;于是,将荒废之地又重新被点亮。 Waag Aalmarkt 21, 2311 EC Leiden Opening Hours: Sun-Tue & Thu-Fri/ 10:00 am-02:00 am Wed & Sat/ 09:00 am-02:00 am T: +31-71-740-0300 …

笔毫挥洒一方自我天地:Calligraf2ity,日本书道艺术家万美

万美(Mami),身着和服,踩在铺开在地面上大且长的云龙纸长卷上,先是在空中徒手比划了一番,而后才从一旁拿起偌大的毛笔,一头泡在一碗墨汁之中。提起笔的一瞬,墨汁喷溅纸上,她也弯下身来,仿佛被书写带领着,让线条流动、旋转、干涸——整个书写的过程,像是一种仪式进行着。 Photography/ Chien. Photography/ Chien. 日本书道艺术的历史与传承,要从书法因地缘关系自中国传至日本谈起。随时间流逝蜕变,书法在日本逐渐与自身文化精神、价值结合,表现在茶道、花道与器物之中,而草书的字符也成为平假名的字源。也因此日本的书道中除了以汉字作为书写文字外,也大量使用平假名,使书道作品具有强烈流动性与自由,在文字与空白空间的运用衍生出自身的美学。另一方面,受到楷书与隶书相较厚重、扭曲的线条与文字结构的影响,也发展出奇特的文字造型与结构,追求奇丑、拙趣的风格。 Photography/ Chien. Photography/ Chien. Photography/ Chien. Photography/ Chien. Photography/ Chien. Photography/ Chien. 日本书道家万美于2017 年朋丁的个展《Calligraf2ity》开幕中,进行了一段书写表演,以草书写下「和敬清寂」四字。结合「Calligraphy」书道与「Graffiti」涂鸦,万美在两者探索其中的连结与平衡——前者作为语言视觉艺术的长久耕耘,后者则是嘻哈文化的一环;作品充满力度与恣意的气息,书写的过程却从容,不疾不徐。这次展览中她展出《女》系列、《Black》系列与部分传统卷轴作品。 Photography/ Chien. Photography/ Chien. 展览中备受注目的,便是《女》系列。此系列作品原本始于无目的的线条组织书写,而后万美却发现「女」字仅由简单的三个线条构成,却因笔顺与字型特点而有许多变化的可能,进而发展成一完整系列。 「首先我会先挑选四种颜色,再将其中一种用于媒材表面。接着,运用剩下的三种颜色写下『女』字」她添上不同颜色在书写之中产生肌理与色泽变化,使《女》系列作品虽然以单一字符作为元素,却有强烈的动感与视觉效果。 《Black》系列作品则是在许多黑色物件上以黑墨书写,黑色物件以各式形状排列在白墙上展出,产生强烈的视觉趣味。 Photography/ Chien. Image Courtesy of PonDing. Image Courtesy of PonDing. Photography/ Chien. Image Courtesy of PonDing. Image Courtesy of PonDing. 除了汉字的书写之外,万美的作品中也不乏数字与英语等不同语言系统的作为书写的元素。 「当我写下英文与数字,我觉得似乎在传统书道里,展现了更高的自由。」对她而言,那正是一种毫不拘束于传统与书写规范的无拘无束;加上深受街头艺术与嘻哈文化强烈地吸引,在万美的作品之中,「书写」多了一点外力,成为突破书道传统的助力,模糊了书法和外界的藩篱。这次我们借着展览,与她简单聊聊关于书道、关于创作的想法。 Photography/ Chien....

走入老物珍奇柜,城市里的怀旧秘境:曼谷J. No 14 民宿

当20 世纪东南亚多数国家成为殖民地时,暹罗以自由领土之意改名成泰国;热带的国度成为观光旅游大国之际,古老丛林之间的秘密被留存下来,成为隐藏在熟悉转角的秘境。曼谷总是异地风情浓厚的城市,潮湿燠热、混杂着各种声音与文明,保存了鲜明的姿态。它成为一个集散地,聚集着市场流动与好奇;曾有影像工作者说过,台湾早期佚失的电影胶卷,却能在曼谷的二手市集寻获。远离曼谷印象中的疯狂,J. No 14 位在Khlong San 住宅区内,邻近着河流与BTS 空中捷运,算不上闹区,却也十分便捷。建筑本身原为仓库,在店主学习室内设计的儿子改建下,成了城市一处秘境。店主养着许多猫儿与狗儿,自是担任迎宾任务,据说有时猫儿还会在门口等门;温暖热情的问候,如同旅行中小住于爷爷奶奶家;细节与步调里,尽是店主对生活的热爱与满足。外表保持着仓库原貌,红黑交杂的砖墙、老旧的家具、堆拢的摆设,实际上是个古老的宅邸;略微粗糙的建筑骨架,交错着繁茂绿意;散落一地的日光,映照着各角落搜集而来、相互混搭的物件:老皮箱、古董柜、钢琴、乐谱、各式泛黄插画、墙面框起的蝴蝶标本、褐红药酒瓶、厚重的精装书籍…空间里相辅相成的诗意信手捻来,设计装饰构筑的语汇,于整栋建筑里创造一处迷人语境。植栽茂密得仿佛建筑才是后来才盖出来的,大量的蕨类植物悬吊而下,羽状的叶片间错落着日光间隙,扭曲的姿态仿佛都有各自的身世——那不太像是植物园,而如同一个植物的孤儿院,各种不被接纳、阴郁、过于自由的植栽生命都于此被接纳,它们或许不一定有着可亲、整齐的外貌,横斜竖直地自由发展。迷人的城市总会有一些不为人知的秘密,如同诱惑的香气里总有一丝腐烂的味道。搭上世界流动的脚步,老旧的宅邸成为旅人的居所,airbnb 串连起远方得知此地的可能。如同世界的旅游大城,曼谷林立着大型百货,以现代、时尚与享乐的感官经验强烈吸引着旅客,也并存着历史文化的老旧景点,作为认识这个国家过往的开口。不过再如何的游历总需要喘息的地点,J. No 14 就在小小的巷弄中等着。 J. No 14 16 Soi Charoen Nakhon 14, Khlong Ton Sai, Khlong…

共同工作空间与专业工作室的聚集热点:Co-creation Space,泰国HUBBA TO

19 世纪的美国工业城市首先出现商业办公室,新的资讯传播方式、建筑材料、技术以及空调设备的进步,都成为商业办公室的推手。一大群人在一个空间里面共同工作,加强工作者之间的互动联系,也增进了工作的效率。随着产业的汰换与变迁,在二十一世纪初始之际,办公室的空间设计上增加需多自由空间和轻松的元件,例如沙发进入办公室、桌子被简化成可随意放笔电的平面、绿意植栽妆点等等。对于办公室的新想像,逐渐成为共同工作空间的前身。而后共同工作空间成为独立工作者、创意工作团队、艺术家等等角色一同使用的综合型态空间,进而促成不同产业之间的相互交流与连结。泰国共同工作空间 Hubba Thailand 在营运第一个共同空间有成之际,与当地大型购物中心Sansiri 合作,营运第二个共同工作空间 HUBBA TO。但Hubba to 却比共同工作空间的想像还要更多,「co-creation space」,企图在空间内纳入更多种不同的工作型态,区隔出许多以专业划分的工作室,包括陶、木作工作室、开放式厨房、摄影暗房、放映空间、裁缝工作室以及创客(maker)空间等等。这正是共同工作空间名为「Hubba」的原因,他们希望能够拓展原本的连结,强化空间做为中心(hub)的概念。在各种不同类型的工作室与办公空间的整合上,Hubba Thailand 委托 Supermachine Studio 设计师Yupadee Suvisith 与Pitupong Chaowakul 设计规划。 HUBBA TO 的空间设计,延伸第一个共同工作空间Hubba Thailand 的概念,将空间的想像与概念视觉化。他们强调了空间的维护与工程(M&E),并加强其视觉,以绿松色的线型管线描绘空间的主要视觉动线。强烈的线条视觉,同时也呼应着各种人类社会各种领域的资讯、流动渠道,以此为据点聚集,并穿梭、连结着各种用途的工作室里。 2016 年刚完工不久,如今HUBBA TO 已成为东南亚第一大的共同工作空间,大大拓展了各种不同专业领域之间的交流与相互认识,促成更多正在努力的创意实践。 HUBBA TO…

建筑的拼贴叙事:雅典Petralona House

二十世纪的现代主义建筑(回顾20 世纪建筑大师EILEEN GRAY 的现代主义告白& 阿根廷建筑师Luciano Kruk 实践建筑大师科比意理念的L4 HOUSE)大大影响现今建筑的风貌,几何的线条、极简的建筑造型成为趋势,高楼群起,大楼林立。希腊建筑团队Point Supreme Architects 却在雅典以拼贴的手法,重新改造一间低矮老旧民房,成为三层楼的混血建筑Petralona House。 「拼贴」(collage)的手法,来自于上个世纪初由立体主义画家毕卡索(Pablo Picasso)与布拉克(George Braque)开始运用,这两位先驱在画作平面上交融各种媒材的运用,探讨媒材的变化如何展现彼此的冲击与特性,影响着后来的超现实、达达与普普艺术等。一次世界大战期间与之后,达达主义热潮在欧洲蔓延燃烧;追求偶然与虚无的精神下,达达主义者一边将拼贴手法纯熟演练,一边瓦解旧世界的秩序,除了表达反战思潮,也抗诉着对当时盛行的布尔乔亚式价值不满。然而拼贴在建筑设计中,往往不是那么讨喜,因为它时常被简化为视觉色块的组合搭配;「在双方都陌生的平面相遇」,德国艺术家恩斯特(Max Ernst)曾如此形容。 Point Supreme Architects 的双人组建筑师Konstantinos Pantazis 与Marianna Rentzou 则认为,如果不单纯用视觉色块来认识建筑,而是将各种不同空间经验串连做为建筑设计的优先考量,就能够创造出独特的空间叙事。我们希望作品不只是仅与拼贴、颜色相关,这太容易造成误解。我们的优先考量,是运用拼贴创造不同的感官体验——拼贴只是达到其目的的方法。因此空间的故事远比拼贴更显必要。 Petralona House 原本是雅典一间传统一层楼民房,改造后它混合了建筑师两人过去在荷兰与伦敦的居住经验与建筑空间的想像。一楼部分保留民宅的模样,使用大量的玻璃连接庭院的自然空间;二楼使用复古的雨棚、窗与阳台连接传统的希腊生活;顶楼则是个延伸的白盒子——甚至让人联想到与拼贴风格大相径庭的现代主义大师柯比意的作品。 「事实上,它交融了许多不同房屋的元素,这些元素使其中的空间创造了新的故事感。」设计团队解释,从一栋建筑里连贯出自自然、生活人文到抽象的叙事途径。建筑内部则使用大量的再制或二手物件与建筑物对话,部分的材料是当地居民各有所长所提供的。他们正是在自然、人际交流、理想之中打造出别具风味的建筑,也正是建筑团队所信仰的:在各种矛盾、相对、异质的语境之中存在着一个焦点能涵纳各种差异。 Images Sources: Point Supreme Architects & Wallpaper. 加入Polysh…

一元美金买下一间老银行:芝加哥石岛艺术银行

1923 年由建筑师William Gibbons Uffendell 设计的银行Stony Island Trust & Savings Bank ,在芝加哥Stony Island Avenue 落成,这处银行曾是芝加哥地区的运作中心。那时,费兹杰罗在《大亨小传》(Great Gatsby)里书写美国爵士时代里,神秘富人的爱情追求与浮华世界的阴影,描绘的是北方生活的繁华景致。另一边,福克纳则写下南方的故事,聚焦在从前过去的生活结构,其面对工业化所带来的生活模式冲击与种族主义的对抗。随着全球化资源分工、经济重心的移转、高科技生产技术,这间银行也在世界变动的巨大冲击中消殒;八〇年代分部关闭,却因建筑结构依然健全,就此荒废闲置至二十一世纪。 2012 年,身兼艺术家、同时也是Rebuild Foundation 创办人的Theaster Gates,以一美元向市政府购得这间银行建物,开始带领Rebuild Foundation 团队重新整理经营;费时三年,终于在2015 年十月以石岛艺术银行(Stony Island Arts Bank)之名,在芝加哥建筑双年展期间重新开幕。 Theaster Gates,芝加哥的「社会实践」艺术家,透过以空间发展、物件、表演与评论等方式,在社会公众间实践艺术创作。也因此对他本身来说,石岛艺术银行并非仅作为一处废弃空间再重生运用的「艺术空间」,他视其本身为一项实践创作。即便Theaster Gates 以极低的价格购得空间本身,但石岛艺术银行的重新整顿、开幕也面临着庞大的营运成本,像是展览策划、活动设计执行。他将取自银行建筑本身的大理石材,印上自己的签名与座右铭「In ART We Trust」,制作成一片5000 美金、如债卷般的艺术品贩售募款;其作用如同银行发行的债券般。而对于一个非营利的艺术中心而言,应该以什么方式回应经济上的债卷呢?石岛艺术银行提供艺术家展览、驻村的空间。另一方面,它也得力于在地的资源而拥有丰富的典藏;如芝加哥大学典藏的6000 片关于美术史的玻璃幻灯片、当地银行家Edward J. Williams 收藏的种族歧视历史资料与文件、浩斯音乐教父Frankie…

金缮温柔修补旧屋的伤痕:京都XCHANGE APARTMENTS

《迷宫中的恋人》里,陈雪书写一位生病的作家与伴侣在城市里寻找住所,她们曾在一个老房子落脚。却随着生活于之中的时间,她们都把踏入的脚伸了出来,是老房子需要照顾,是情感与物质还没寻得平衡。屋子真是个巨大的容器,装着生命的生活久了,总不敌破损。随着居住时间逐渐透露它的缺陷:漏水、壁癌、地板龟裂、管线老旧复杂难以调整。物理间的相互摩擦、强烈碰撞,或是天然灾害的剧烈冲击、人为的蓄意改造,刻入记忆,也更像是生活的伤痕。近京都清水寺的一处老屋XCHANGE APARTMENTS,近期重新改造成供艺术家、设计师、文化工作者驻地创作、发想的场所。设计建筑团队 TANK 面对老屋子的伤痕与症状,提出以非建筑的工法纳入建筑设计之中。浴室的木头地板采用日本漆器的生漆技法「漆涂り」(Urushi-Nuri),在木质材料上涂上一层层的半透明树脂,温润地透出木头的样貌,同时也拥有防水防潮的功效。抛光金属的镜射门映射着空间质朴的模样,却产生出视觉上不同的空间实虚像的层次。另一个运用在空间中的古老技法,则是漆器修复的「金継」(Kintsugi),又称「金缮」——你也许还记得先前我们曾经访问过的台湾金缮工艺师郑婷,也是使用同种技法——以天然的漆绘颜料黏合破损的容器,再描以金、银粉。 TANK 建筑团队将这个方法运用在龟裂的地板,将物体间因自然收缩、或时间考验下而产生的裂缝细腻填补。填补的裂缝仿佛是空间之中的金色溪流,划分地板成块状岩版,或更像是不规则的巨型拼图组合。细而弯曲、颤抖的线条暧暧地在图版间闪着金光。原来那些空间的伤痕从来不是碎裂,只是找到可以镶合的方法,温柔包覆生活的损伤。 All Images via TANK. 加入Polysh Facebook 随时阅读最新、有趣的设计与艺文文章。