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皮革、刺绣、陶瓷与木盒,复刻奶奶柜子里的惊喜收藏:伊斯坦堡木制文青硬壳包GRAV GRAV

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近几年来复古风潮盛行,对于古着、老件等经典物件,不论服装或工业设计师皆尝试重新诠释,经得起年代考验的轮廓至今依然日久不衰;无论是改良裁剪或与新材质混搭,都能迸发绝妙的新滋味,进而也创造出蔚为潮流的穿搭风气。市面上不乏摆满皮制硬壳包的店面橱窗,但也许还是满足不了硬壳包收藏爱好者的需求。而来自土耳其伊斯坦堡的木头工艺工作室GRAV GRAV 作品,乍看为一般方包,仔细一看才发现包身结合着木头与各式有趣材质,令人为之惊艳!刺绣方包、陶瓷方包、皮革背包…细数GRAV GRAV 的各系列作品,一个个优雅的轮廓结合异材质,除了视觉令人备感玩味之外,更多了一分当代俐落感。立体的包身皆由胡桃木、橡木或榉木手工制作并打上针孔,辅以当季流行元素或主题;或纯木材、或以皮革妆点、或结合瓷面、或以刺绣穿针引线,让硬壳包多了份惊喜表情。设计师Merve Burma 对木头与皮革所创造出的和谐感极为喜爱,她认为两者搭配堪称完美组合。打开木壳包一探究竟,内为皮质的收纳夹层,木头硬壳的本质让包包内的物品免于被压缩的窘境,古铜色金属开关让包体也像个值得收藏的木盒,像是将老奶奶柜子里的惊喜收藏拿出来改造一番。从皮革与木材质的混搭一路实验到结合刺绣,Merve Burma 不变的是对设计风格的掌握;若是结合皮革的系列作品,接带有当代极简的韵味;纯木材打造的系列,强调的是优雅、饱满的包身轮廓;而结合异材质如刺绣与陶瓷系列,则以大自然作为发想,用带点中国味的图案展现生命力——她希望能够借现有的时尚表现手法,将现代与古典连结,因而激发将怀旧的十字绣工艺与陶瓷美工融入作品。绽放的花花草草、讨喜的多肉仙人掌、池塘中优游的鲤鱼、飞翔追风的鹤群,甚至是鲜艳竖立的鹦鹉,皆成为Merve Burma 的创作灵感,并藉由独一无二的木纹身形,将你的生活仔细收纳其中。 Text/ 汤侑宸Image Source: GRAV GRAV. 【此篇为Polysh x La Vie 行动家合作文章】 加入 Polysh Facebook 随时阅读最新、有趣的设计与手工创作文章。

在身体上进行迷你而欢乐的小小雕塑:饰品实验艺术家Georgina Trevino

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抽象而有趣的扭动线条,是盛夏的一口酸甜,是笔记本上只有自己懂得的涂鸦,是建筑暂存脑海的一瞬影像,是好友与自己间的亲密暗号,是解读自我情绪的摩斯密码。这是Georgina Trevino,出生在加州圣地雅哥墨裔美国艺术家,若仅用珠宝设计师定义她实在过于狭隘;在她的作品上感受到的,并非「设计」那听起来经过缜密计画而产生的美感,甚至无需去讨论什么美感不美感,而是看得见的实验与流动精神。在网路世界成千上万的照片中,目光被她做的一对红色胶质耳环吸引住,进而发现这个大胆前卫的品牌;越是深入浏览,越是发现Georgina Trevino 早已出现在许多杂志造型之中——她的作品总能画龙点睛得让整个画面与造型变得生动有趣。一直以来她都在寻找不同领域的创作者,一起合作、切磋出崭新又有趣的想法,多方接触不同的媒材,在自己的舒适圈之外拓展更多可能——如同她手下的作品线条,她不停地「变形」。玩味又带点突兀戏剧性的风格,Georgina Trevino 抱持着「实验性」的理念持续尝试与学习,正是她创作成长且多元的关键。自圣地牙哥州立大学珠宝与金工学士学位毕业,在学时曾在墨西哥城参与一年的珠宝工坊,外向的个性让她经常与各领域的朋友和设计工作室合作,也促使她在2010年创立自己的同名品牌——Georgina Trevino Contemporary Jewlery。其中「Contemporary」点出她创作中的即时性与实验性,缤纷如玩具、糖果般的用色与结构里,能嗅出她美墨出身的文化背景以及包浩斯風格的洗礼,加上特殊媒材的运用,树立了独属于自己的风格。这次与Georgina 越洋联系,与这个作品充满欢乐元素的女孩聊聊其创作过程与灵感。尽管相隔一片海洋,她的能量丝毫不被减弱,字字句句给人灵感与动力。 . Georgina Trevino 这品牌试图传达什么样的讯息?我的品牌是我一切兴趣、生活与灵感的产物。生活里我总是特别去注意色彩、形状以及建筑的元素,这些都成为激发我创作的灵感。我的作品如同小型雕塑——为身体与空间而形成的小型雕塑——比起一般的珠宝饰品多了些纯艺术的元素,每个作品都代表着对话与某种宣言。而为更完整地表达出其中的意含,我必须去运用异材质来制作它们。 .灵感如何被转化成实品并传达出去?创作灵感多源自于建筑、几何、时装,以及任何执行当代创作的人们。从每件作品中你都能看出我尝试将颜色与不同媒材、技术做出各种结合,每件作品都是经由我亲手制成,这是我必须且最诚实表达的方式。我想做给有自信、有前瞻性的人们,而这些人们必定是懂得欣赏工艺、艺术、时装和设计的;他们在乎事物的变迁与更新,并与我的作品产生共鸣。 .你有偏爱的创作媒材吗?我想我的品牌主旨就是要不停地实验各种媒材。虽然时常使用银和黄铜,我依旧随时寻找着新的材料与技术,以及更多不同的结合方式。我非常喜欢水泥土和塑料,而近期则使用软陶居多。这些元素给我在创作上更多的空间去发挥,有时它们在制作实验的过程,甚至自行发展出意想不到的美好结果,带给我更丰富的经历。这是与作品的来回对话,也是每个作品制成的背后过程里,最富有意义的层面。 .带给你最多启发的艺术家是?有非常多人令我得到启发,但如果必须选一个人的话,我认为是柯比意(Le Corbusier))。这位法裔瑞士的建筑大师,他不仅是现代主义的代表人物,作品深涉许多艺术文学领域。 .实验令你的创作无间断,接下来想尝试的是?我有许多作品其实非常中性,但大部分还是比较女性化。最近正在做一个以男性为出发点特殊的计划,是我自己相当期待的,很快将分享给大家。另外,希望以自己的饰品为灵感,反之去做出大型的雕塑创作,媒材方面将会使用铁与粉末涂料作结合。 .目前为止自己最满意的系列是?我自己最喜欢、也玩得最尽兴的系列,应该是我最近期的系列「The New Collection」。在其中我结合许多新技术与材料,像是回收塑料、水泥土、软陶、五金塑料元件、印花版、黄铜、银、动能技术以及浓郁的色彩。这个系列被中世纪家具、包浩斯風格、动力艺术(Kinetic Art)和狂放的色彩所启发,我自己对这个系列感受很深,因为它非常贴近我的个性,以及我所深信的美学。 .在创作这条路上,你抱持着什么样的信念行走?我相信「失败」是件好事,它让我们茁壮。我想只要是从事创造领域的人,无论或好、或坏的经历,都能够让我们成为更好的艺术家,绝对不要轻易放弃!另外,「被拒绝」也是件好事,虽然这令人难受,但总能在有建设性的批评中成长。我曾遭受许多的拒绝,但那更驱使我思考自己的弱点。不能害怕将自己的想法与作品传达出去,要经常让别人看见自己,所以我特别鼓励藉由合作强化自己的想像力。而曝光作品更能带给自己意想不到的合作机会,有时甚至能和自己仰慕的艺术家一同创作,那更是一种肯定。 .未来我们能对 Georgina Trevino 这品牌有什么期待?远程的规划不只局限在品牌上。我真正的目标是要创造一个能够呈现当代珠宝的平台,藉由自己的品牌与这个平台,去阐扬关于当代珠宝的各种内容。大约在一年前我便开始创办不定期的珠宝工作坊,让有兴趣的人能学习制作——我很享受做一些品牌之外的事情。之后将会找更大的空间来办工作坊,同时也会规划成艺廊,让其他的艺术家们有地方能够在此分享、讲解当代艺术行为。 .对于同样从事创作的读者,有没有想说的话?我们必须勇敢地冒险,必须信任自己的直觉,「你没有什么好失去的」,也是我在这些年来所学到的。尝试越多,就会有越多的成果回到自己身上。 Georgina 的作品几乎都是独一无二,毕竟件件都出自她的双手,搪瓷和软陶的制品更是难以复制,而这也是她的作品最动人之处。我敬佩热爱工艺并全心投入创作的人们,并欣赏她在空间、形体之间来回的思考,与自己的背景及愿景对话;以珠宝的形式或以更无法定义的形式,传达出属于自己即刻性的语言。在一次次的实验之中,不停地产生生动的动力能量,散播给与她接触的人们。让其作品不只是「饰品」,其中的玩味与过程,替饰品赋予了另一层在身体上于配戴、于思考的体验。 All Images Courtesy of Georgina Trevino....

织起现实与幻境的边界:Batice Rebel 的华丽冒险

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在介绍Batice Rebel 这令我一见钟情的设计师女装品牌之前,脑海中跳便出了「惊喜」、「梦幻」和「勇气」几个关键字,它的魅力令同样从事服装设计的我,心跳急速加快着。看着Batice Rebel 的作品像是在看一幅幅布料拼贴而成的创作,印花、蕾丝、格纹,少女的粉红加点帅气的军绿,也许再来些正黄;所有材质、剪裁的配置,在设计师San(吴佩珊)手中发挥得淋漓尽致——「more is more」在Batice Rebel 绝对是成立的。将东西方服装结合,听来并非崭新的概念,设计师中也并非只有San 一人以此出发;但Batice Rebel 天马行空、大刀阔斧将两者融合的表现手法,还是为它在早已过度饱和的服装市场中,开拓了一片新天地。 Batice Rebel 成立在中国,但San 其实来自台湾,从小喜欢看漫画及百科图鉴,从中培养了对美术的兴趣。国中时期毅然决定去英国留学,一待便是15 年;自伦敦艺术大学毕业,San 曾在Jens Laugesen、Alexander McQueen、Preen by Thornton Bregazzi 等品牌实习与就职;回到台北后则在温庆珠担任过设计师。从Batice Rebel 成熟的系列作品上,也如实地反映了她在业界累积的深厚经验。 Batice Rebel 成立在中国,但San 其实来自台湾,从小喜欢看漫画及百科图鉴,从中培养了对美术的兴趣。国中时期毅然决定去英国留学,一待便是15 年;自伦敦艺术大学毕业,San 曾在Jens Laugesen、Alexander McQueen、Preen by Thornton Bregazzi 等品牌实习与就职;回到台北后则在温庆珠担任过设计师。从...

世上最知名的小众品牌:与LINDBERG 设计师Henrik Lindberg 对谈

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「真的很难想象,年轻人在衣服上花了如此多心思,每次出门却总是同一副随随便便的眼镜!」这是丹麦设计师/丹麦眼镜品牌LINDBERG 的创始人Henrik Lindberg 百思不得其解的问题。在他看来,眼镜是架在脸正当中、心灵之窗前的一样东西,是别人对你的第一印象。因此,对于Henrik Lindberg 来说,眼镜甚至是一样「让人紧张」的设计。和许多设计品牌诞生的原因一样,验光师Poul-Jørn Lindberg 创立LINDBERG 的初衷,是因为遍寻不到舒服的眼镜可以戴,就想自己动手去做一些轻盈又能完美贴合脸型的眼镜。现在,这个诞生于1986 年的丹麦品牌交到了他的而子Henrik Lindberg 手上。 LINDBERG 以顶级的制作工艺闻名,但用Henrik 自己的话来说,LINDBERG 却是「眼镜界最有名的、不为人知的品牌」。 LINDBERG 并不大量生产,很多款式也遵循限量订制原则。在他看来,喜欢LINDBERG 都是热爱好设计和注重佩戴体验的人,他们或许会更青睐奢侈高级货,但更注重一个品牌背后的哲学。 「就算不去看那些技术细节,也会被整个设计工程所打动。」 根本不存在什么「斯堪的纳维亚设计」。在和父亲一起打理LINDBERG 之前,Henrik 在丹麦学习建筑。 「丹麦的建筑学校并不只教建筑,也包括许多关于设计的课程,学习如何思考,甚至​​如何颠覆你所知道的一切。」学习建筑的背景让Henrik 对如何用设计订制解决方案有了一个系统性的认识。 「每个人的眼光也不同,但好设计一定是可以持久的。」这就是Henrik 对好设计的定义。 LINDBERG 的眼镜创新性地选用钛这种超轻材质——也是世界上第一个用到钛的眼镜品牌,你几乎感觉不到它的重量,可以轻松佩戴一整天。而这种「隐身」能力并非全部来自材料的选择,极简主义的流线型外观也是重要因素。 LINDBERG 的眼镜甚至从来不使用螺丝。 「因为螺丝总会松或掉,也增加额外重量,LINDBERG 成立三十年以来从来没在眼镜里使用过一枚螺丝。」Henrik 说道。其设计有着标​​志性的「北欧系」设计,也代表着丹麦顶级设计工艺,但Henrik 并不赞同大家热议的「斯堪的纳维亚设计」话题。 「根本不存在斯堪的纳维亚设计,每个国家的设计都非常不同。」瑞典和芬兰因为有大片的树林,设计会用到大量木材,而丹麦设计则以混合不同材料为标志。 …

Image Courtesy of Beara Beara.

从玻利维亚到伦敦,针线缝制的人文精神:Beara Beara

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某日中午,因为学校课业的关系,有机会到英国手工皮件 Beara Beara 参访。位于伦敦Kingscross 附近的巷子,虽然离车站只有不到五分钟的距离,却和喧闹的主要街道完全不同;眼前独树一格的英伦小店,有着蓝灰色外墙,气质安静。而木头地板和展示柜,恰到好处衬托了品牌的复古风格,每件皮革都像在说一个故事般,特别有味道。品牌的创办人Jake Bullough 身材高瘦,穿着酒红色的毛衣,以友善的笑容欢迎着我们。 Photography/ Tiffany Yang. Photography/ Tiffany Yang. Photography/ Tiffany Yang. Photography/ Tiffany Yang. Photography/ Tiffany Yang. Photography/ Tiffany Yang. Jake 在成立Beara Beara 前是一名旅游作家,筹备新书时在南美洲的坡利维亚遇见了Julia。 Julia 与家人在制作皮件方面有着多年的经验。他们的技术代代相传,并拥有一家小小的皮革店面,贩售着简单的包款与皮带。然而Julia 发现,为了维持品质,他们不停地在购入昂贵的材料,却无法获得足够的销量来补足成本,生计也面临困难。因此,Jake 开始替他们想办法,在包包的结构、风格与形状提出不同的建议,希望能改善当时的情况。他表示「我最初的想法是希望透过设计来改变他们的皮革包,增加销量与提高他们的生活品质。 」这样的合作渐渐发展成品牌的第一个系列;于是,在2012 年,Beara Beara 在网路上成立了。从网路商店一路发展到实体店面已经过了四年多,Beara Beara 位于玻利维亚的工坊也一直在扩大;从原本的单一小家庭,扩增到现在的八十人。 「我们在他的生活中看见了改变。」Jake 说,「工坊雇用了很多单亲妈妈,弹性的工作时间,让她们在赚钱之余也能好好地照顾家庭。学生也是一样的,在不影响课业的前提下,提供他们傍晚与假日的打工时段。」仔细观察,不难发现改善贫瘠与回馈当地生活,是Jake 与团队十分注重的品牌精神之一;在他们努力下,给予玻利维亚人们更多就业机会,以及自给自足的能力。工坊负责人Julio Reas 也在品牌的纪录片中提到,「现在我的孩子过得生活比我好,这对我来说才是最重要的,这是我们从来不曾体验过的生活品质。」 ...

宛若优雅女伶:走进ATTIC 小阁楼,20 与30 年代的复古风华

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想起ATTIC 小阁楼,脑海中都会不自觉浮现欧洲复古女伶的身影。好几年了,从一开始关注、购买到配戴,不管是在澳洲还是伦敦,时常都被身边的人指着手上的戒指、手环赞美询问。是啊,只要是钟爱复古风格的朋友,总是不自觉地就被那温暖的铜色吸引。大约半年前,听闻小阁楼第一个正式的工作室终于要开幕的消息。拜访当日,即便因刚回台湾而有着令人难耐的时差,内心却依然亢奋期待着。走进位于新北市徐汇中学附近的工作室——呼应着品牌名称,仿佛一抹受尽宠爱的女伶身影穿梭其中;映入眼帘的,尽是古典而独具风韵的ATTIC 小阁楼。以创作素材来说,有别于一边市面上常见的金和银,设计师Vanessa 选用的是黄铜与异材质的混搭;不大的空间,有着各个地方搜集来的复古装饰和物件,与作品共同陈列;温暖的材质在黄灯下闪烁暖暖光芒,静静躺在老旧木框或金属盘面,时间仿佛倒回,上个世纪的华丽风范与故事于其中静静发酵——不管是品牌风格,或是设计师本人的喜好,一览无遗。 .先与我们聊聊,走入饰品设计的机缘吧! 16 岁开始在饰品材料公司工作,从一开始纯粹打工,到基础前线,后来进入办公室当美工及采购助理,最后接触到饰品研发的工作,相关工作经历十余年。因为喜欢画画,打工时期仅是觉得和才艺有关的工作有趣,更重要是离家近,就这样误打误撞开始饰品设计的路,和学校选读科系也无关联。 .为何将品牌取名为「小阁楼」呢? ATTIC 有两位创办者,另一位是我十几年的好友,负责的生产线是布类商品。我们有很多共同的兴趣,因此便很随性地将自己喜爱的各种东西列出一张表格,例如:颜色,国家,食物,风格都可以。最后我们发现,最喜欢的建筑物都有阁楼,喜欢的风格也与古典不谋而合,因此取名为ATTIC 小阁楼。英文有古典含义,也有阁楼的意思。其实很简单,但却对我们有着共同的意义。 .金工与珠宝设计最困难之处是?撇开技术面不谈,大方向的困难,可以从风格讲起。每个创作者都希望设计自己喜爱的作品,无限的预算,不用顾虑是否小众或迎合大众。实际层面来说,事业当然不是做梦而已。要对自己的风格、眼光有信心,其实就已经相当难;有时候业绩不那么美好的时候,必须要有相信自己的能力。对珠宝设计者来说,创作或技术或许不是难事,挑战自己的可能是经营或打一场和自己抗衡的战。 .小阁楼的设计走的是复古风格,那请问哪个年代对自己的创作影响最深呢? 20 与30 年代的奢华魅惑风格是我最喜爱的。那些珍珠、水钻、羽毛、亮片、摇曳的小坠饰,总能吸引我眼球。但同时自己又是喜欢个性简洁风格的人,于是总能轻易地将两种风格自然揉合——都是自己喜爱的东西,并不会有抵触,相反地正因为发自内心喜爱,所以能够诠释地美丽而不违和。我也十分喜爱art deco 风格,那种笔直干净的线条相当对我的胃口,可是自己却又不喜欢对称的元素。尽管如此,从一些作品还是可以看出此风格的影子。 .心中认为最隽永的vintage style 是? …

让心呼喊自由的名:JENN LEE X CHING DANCE

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「如果明天是世界末日,你想做什么?」 「我想尿尿。」 出乎意料地回答,大概是这次演出的惊喜。关于世界末日的问句,应该是编舞者想要留给观众、能够带着走的结尾,没想到突然自观众席飞来一句稚嫩的声音。然而这听起来令人感到好笑的答案,却与我面对末日的感觉很像:即便明天是生命的最后一天,大概也想像过去的日常一样,好好生活。也许,只要能画下一个简单而饱满的圆就好了,毕竟多数的我们也画不出分毫不差的正圆。 《你自由过吗? 》,由台湾服装设计师JENN LEE 与现代舞团CHING DANCE 清制作共同创作的作品。典型的表演艺术里,服装往往是配角;然而这次却从服装设计的理念出发,发想舞作(回顾Hussein Chalayan 以服装发想的首支现代舞作《GRAVITY FATIGUE》)。命题里的「自由」,一直是贯穿JENN LEE 设计的概念。从去年四月JENN LEE 以台北街头为舞台发表作品,一直到这次让舞者穿上服装跳舞,这不仅是关于人的自由,也是「服装」的自由。挣脱人台与橱窗,以不同的形式走入生活,服装从而拥有新的生命。这次服装设计灵感来自纳粹集中营的历史,舞者分别代表警察与囚犯的角色。走进演出场地,四处垂挂黑纱,仅有手电筒灯光,营造出当时搜索的紧张氛围:你不会想往光亮的地方走去,因为那里并没有希望。表演场域是个开阔空间,观众必须随着「表演发生的位置」改变而跟着移动。警察对着囚犯发号施令:「抬脚!把脚放下!爬着前进!不准用四肢爬!」暗示场域里最有权力的身份。经历过数次被压迫、不人道的使唤,灯光从手电筒的白灯转换为红灯,囚犯开始往观众群的方向挣脱逃跑。为数众多的观众如同他们逃跑时的阻碍,而观众也从与舞者的肢体接触中,感受到他们对自由的渴望。即便最后没能脱逃成功,危险意味的红光转为趋向平静的蓝光——舞者缓缓走向观众与之拥抱,留下「把握生命每个当下」的讯息。编舞者巧妙将舞台指令赋予警察,帮助舞者及观众建立舞台。但警察的指令不够精准有力,导致虽然观众理解他所传递的「前排观众坐下」的讯息,却因未能达成威严的口吻使观众有些出戏,稍嫌可惜。作为警察的男舞者,在演出中多半为功能型角色,仅仅推动剧情前进。若能有更多肢体或是舞蹈表演,舞作将更加丰富。演出结束后JENN LEE 提到,这次的创作想谈「自由」与「生命」。如此庞大的命题,在服装设计上或许能够实践;然而于舞作中,比起「生命」,「自由」明显著墨更多,仅到最后收尾将对「生命」的看法摆入。如此使「生命」的概念,没能在前头的舞蹈中堆叠累积情绪,力道显得比较单薄。回想起演出刚开始,角落困在「纱网」里的舞者,不断挣扎、仿佛想逃离束缚的自由渴望。总觉得那样材质特性的隐喻是最残忍的——看似柔软有突破的空间,实则坚韧如铜墙铁壁。蒙着纱网的舞者面貌不清,每位观众戴上于演出前拿到的面具,现场尽是「一个面孔」:所有人都被束缚,不能拥有自己的独特性——不自由所带来的结果,不言而喻。那么,就再问问自己,「你自由过吗?」或许在这个大量制造的社会里,你所穿着的、所拥有的都难以是独一无二。 「做自己」是句简单却也困难的想法,需要乘载社会框架的批判,需要忍受因不一样而被投注的目光。然而,「自由是什么?」、「此刻的自己,自由吗?」即便每个人对自由的定义都不相同,或因现实拘束着身体,JENN LEE 试图表达,那些莫可名状的美好依然存在,释放心灵,让它替你呼喊自由的名。 JENN LEE 以「自由」定义作品态度,善用拼贴与解构等非传统手法呈现现代女性特有的浪漫与不羁。设计师JENN LEE 毕业于伦敦艺术大学,追求时尚的多变性,藉由旅行探索心灵,延伸自我的发展性。 Photography/ 黄建翔All Image Courtesy…

个性十足的清新旋律:纽约设计师品牌AUrate

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推开玻璃大门,复古的黑胶唱片音乐随着飘来,微暗的灯光播着美丽的投影片——一踏进位于麦迪逊大道的AUrate 店面,仿佛在热闹非凡的大苹果纽约里,找到一首清新却个性十足的旋律。原为美国普林斯顿硕士班的商学系学生,Sophie Kahn 与Bouchra Ezzahraui 在短短一年中发现了彼此对于时尚的热情,进而决定共同创立珠宝品牌AUrate。 「AU」——如果你熟悉化学,那势必会发现品牌引自元素周期表的黄金符号——这也是品牌最常见的材料;而「Rate」则有着等级之意,表示两人对于手中设计的品质坚持。自从两年前的品牌开幕,AUrate 便在珠宝/饰品设计市场成功吸引目光。低调经典的Understated Series、极简有力的Core Series,以及前卫摩登的Statement Series,这三个AUrate 的主要风格,展现着三种截然不同的风貌,宛如乐曲三重奏,交织出令人着迷的美丽的乐章。当然,除了精巧设计,AUrate 在品质上也有着坚持。从精致的14 与18K 金、钻石,一直到较为少见的朱红镀金,都是品牌善用的材质与技巧。 Sophie 与Bouchra 相信,一件美丽质感良好的珠宝,不单单能为外表加分,也能由内而外的使穿戴者更自信亮丽。在一开始的筹备时期,虽然两人都偏好摩登简约的现代风,Sophie 和Bouchra 起初并不晓得要往哪个领域发展;经历了好几场的讨轮与实地考察,他们发现美国的时装市场在许多层面上其实已经达到饱和。相反地​​,饰品与珠宝都依然有着极为丰富的开发与变化空间。与我们谈到此处,Sophie 以纽约市场为例,「在纽约苏活区,中端价位的服装比比皆是;但反观珠宝品牌,似乎还是少了点。所以,我们决定填补市场的这段空白。」 AUrate 起自纽约,理所当然地,纽约女人便成了他们的灵感来源,Sophie 与Bouchra 也就是看着各种纽约女人们不同的生活样貌来进行发想。譬如,样式简约的戒指,适合朝九晚五的上班族,简单却不无聊,就算下班后去小酌一会儿,也不必更换。又或着,轻松有趣的项链手环,则是周末与朋友喝咖啡小聚的首选。当然,灵感可以来自生活上的任何一个环节——一场艺术展览启发,或是午夜电影的观后感,都曾经是品牌许多设计的前身。就如同AUrate 作品里广受欢迎的长条型耳环与项链,是Sophie 与Bouchra 一起欣赏歌剧《蝴蝶夫人》时,深受其美丽场景吸引,进而研发出这项众人喜爱的作品。在参观AUrate 位于麦迪逊大道的店面时,意外发现价格比起类似品质的珠宝显得亲民许多。原来出身于商学院的…

打破你的眼界!为眼睛做配饰的设计师Percy Lau

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毕业于英国中央圣马丁艺术设计学院Percy Lau,原本的志向是成为一名服装设计师;然而,她的导师挖掘了她在配饰设计方面的异禀天赋,鼓励她专注在配饰设计方向。 2013 年,Percy 成立了同名品牌「Percy Lau」。从上帝的创造与大自然中获取灵感,透过Percy 天马行空的设计,看得出她对于科学实验和哲学思辨的浓厚兴趣。她从不去定义配饰是什么,她更喜欢透过设计去思考人与配饰之间的关系和互动性。眼镜是Percy Lau 的主打作品,大胆前卫,从不循规蹈矩。 「直到现在,我也不认为我在做『眼镜』,我是在为眼睛做配饰。将自然科学元素运用在设计中,希望时尚爱好者们能重新审视自己,了解自身的属性,建立属于自己真正的风格」,Percy 说。 2013 年Percy 根据「眼睛」延伸出的系列,透过透明树脂等材料制作的主题,去探讨人们看到的是否是真实的,这系列入围了International Talent Support 比赛,并成为了YKK 大奖最年轻的获奖者(回顾YKK 创意总监专访)。 SS 2015 系列,以「人类」为主题,由「眼睛」激发灵感,整个系列以细胞分裂的形式展开,Percy 旨在希望人们能够更好地理解人类自身、包括进化过程和身体结构的机能。 SS 2016 系列则是从日本原宿文化中汲取灵感,Percy 将这种几乎盛行了20 年的彩色隐形眼镜元素运用在镜片上,像是猫眼、复眼、蜥蜴眼、人眼,十分大胆和出跳。令她感到好奇的是,当我们的心灵之窗被遮盖,容貌被改变的时候,我们是更好地融入,还是更突显在人群之中了呢? .听说你在学习配饰设计之前,是学习科学相关的领域,这种跨学科的转变是怎么发生的?当时还在叛逆期,选择设计是为了不想过无聊的实验室生活。 .两个专业之间有怎样的相互影响?可否结合作品解释一下,两者如何在你的作品之中发生化学反应? …

致青春世代的怀旧自我:日本服装设计师KOTOHA YOKOZAWA

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没记错的话,在我那个年代的国小家政课本里有一堂课程,主旨在教导学生如何表现合宜的穿着;而其中最令人印象深刻的,即是两个简单的穿着原则—「全身的服装颜色不能超过三种」以及「上半身穿着花俏的款式,下半身就要搭配颜色素净的服装」。这让小学时热衷于便服日的我,不禁在心底产生很大的质疑—但在面临考试时,还是很孬地在考卷上写下课本的标准答案,继续当我的好学生。长大后才逐渐明白,面对这个世界,你绝不能全盘接收,也不可停止好奇与怀疑,有时,你甚至要怀疑自己—怀疑自己是否早已被学校教育以及社会的价值观所缠累,甚至扼杀了自己潜在的可能性。 「完全不要考虑到这是要给人穿的。」、「要好好思考希望是给什么样的人穿才是。」才不过第一堂课,两位ESMOD(法国高阶时尚艺术学院)东京校区新任命的老师,山县良和先生(writtenafterwards 设计师)及坂部三树郎先生(MIKIO SAKABE 设计师)一开口,就立刻令当时已经迈入最后一学年课程的服装设计师横泽琴叶(Kotoha Yokozawa )感到醍醐灌顶,惊觉自己过去在创作思维上所受到的限制。回想起就读ESMOD 的最后那一年,横泽琴叶说着:「在这堂课之前,我连一厘米都没思考过这些问题,之后我便开始摸索,直到有次自己穿着破旧的二手T恤配上牛仔短裤的时候,瞬间领悟『啊~应该就是这样吧!』。 如果用接近自己平常穿的衣服其素材和接近的款式来制作的话,我想说不定可以更接近人和展现生命力。当时其实还有一件事也在同时进行中—挖掘自我。我开始反覆翻看以前的照片,其中一张十几年前的家族照,爸爸穿着胸前写YAMAHA 的运动上衣,搭配很紧的雪花牛仔裤来参加我学校的活动,我当时觉得非常丢脸,但是现在觉得好像还蛮可爱的,就马上打电话回家里说,『那个运动上衣我想穿,帮我寄来啦~』结果它早就已经被丢掉了。那阵子刚好运动上衣很流行,我自己也想穿,所以就决定做做看,结果那件运动上衣后来变成了主打服。经过了那次的毕业制作,自己现在穿着的东西以及想穿的东西,就成了我设计的主轴。」 2013 年,横泽琴叶在ESMOD 的毕业制作迅速掀起了话题;同年的八月,也于京都的Gallery 110 举办个展。毕业后,经过大型成衣公司的设计活动,她在2015 年成立了同名品牌kotohayokozawa,并受当年学校老师的提拔,连续两年参加坂部三树郎及山县良和所召集的青年设计计划「TOKYO NEW AGE」 。多次与日本百货公司与艺廊以pop-up sale 的形式合作,让成立仅一年多的kotohayokozawa,迅速累积了超高的关注与人气。 kotohayokozawa 2015 AW 若要介绍kotohayokozawa 是个什么样的牌子,最快的方式大概就是直接播放她第一季的形象影片。影片中,一群穿着kotohayokozawa 的女孩在街头游荡,慵懒的气息纯粹不造作,个个看似青涩懵懂,却又有著成人的世故姿态,让人不禁错觉自己是不是正在另一个未来的时空,观看着一部属于那世代风格的纪录片。作品中常蕴含着淡淡的怀旧风情,极简派的日式风格却似乎没影响到横泽琴叶分毫。 「藉由品牌,我希望能将日常生活中所压抑的情绪给表现出来。」也许是期待着品牌能传达这样的精神,她从学生时代的作品,到品牌成立后的系列,无不是充满着大量的金属环、串珠、铆钉,到甚至黏土—她总是使用各式的素材和布料,进行拆解、拼贴与重组;像是拿着蜡笔在墙上乱撇、拿着色纸乱折乱剪的小孩般,一股脑儿地沉浸于创作的快乐,既不受规则的束缚,更不需要一点逻辑。对于kotohayokozawa 的下一季服装,也许横泽琴叶也早已经有了画面。如果下个服装系列将被设定为电影的角色服装,「那会像一个我出生之前的家庭和我现在自己的故事,两个故事同时进行的感觉吧。」,她这么回答着。 「但若是换成只能用一段旋律或一首歌来诠释我的2016 秋冬系列,我想会是Mac…